10 films classiques du vieux Hollywood pour les débutants

Les classiques sont des classiques pour une raison, avec bon nombre des films les plus importants et les plus influents jamais réalisés issus de l’âge d’or d’Hollywood. S’étendant des années 1920 au début des années 1960, ces œuvres fondamentales allaient façonner et définir à quoi ressembleraient Hollywood et le cinéma moderne en général. Pour quiconque s’intéresse à ces chefs-d’œuvre critiques, il y en a quelques-uns qui devraient être considérés comme incontournables.

Du fantastique Le Magicien d'Oz au romantique Casablanca , les meilleurs films du vieux Hollywood pour débutants sont des œuvres cruciales, mais accessibles, qui sont encore largement célébrées et référencées aujourd'hui. Ces films 1o en particulier sont des classiques intemporels qui capturent l’esprit de l’âge d’or d’Hollywood, transportant facilement le public dans une autre époque.

Autant en emporte le vent (1939)

Situé dans le contexte de la guerre civile américaine et de l'ère de la reconstruction, Autant en emporte le vent est un conte épique qui suit principalement Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), la fille volontaire d'un riche propriétaire de plantation en Géorgie. Il dépeint sa quête ratée d'une romance avec Ashley Wilkes (Leslie Howard), qui est déjà mariée à son cousin, puis sa relation avec Rhett Butler (Clark Gable). Le mariage de Scarlett et Rhett s'avère tumultueux alors qu'elle continue de se languit d'Ashley bien qu'elle ait sa propre famille.

L'adaptation par le réalisateur Victor Fleming du roman de Margaret Mitchell de 1936 tente certainement de rendre justice à son histoire avec une durée de près de quatre heures, ce qui en fait l'un des films hollywoodiens les plus longs jamais réalisés . Il convient bien sûr de noter que sa représentation controversée du Sud d'Antebellum et de l'esclavage a mal vieilli, même si l'on ne peut nier que le film offre toujours un aperçu fascinant des techniques de réalisation et des attitudes culturelles des années 1930. De plus, le tristement célèbre « Franchement, ma chère, je m'en fous » de Gable est une réplique qui est devenue une partie permanente de l'histoire du cinéma.

Histoire du côté ouest (1961)

Avant la version 2021 de Steven Spielberg , il y avait le célèbre film de 1961 des réalisateurs Robert Wise et Jerome Robbins, qui détient toujours le record du plus grand nombre d'Oscars pour une comédie musicale. La version moderne de Roméo et Juliette de William Shakespeare transporte l'histoire dans les rues tumultueuses de la ville de New York des années 1950, où règne une intense rivalité entre deux gangs de rue d'adolescents : les Jets, un groupe de jeunes blancs dirigé par Riff (Russ Tamblyn), et les Sharks, un gang portoricain dirigé par Bernardo (George Chakiris). Au milieu du chaos, une romance interdite fleurit entre Tony (Richard Beymer), un ancien Jet, et Maria (Natalie Wood), la sœur de Bernardo.

West Side Story a remporté 10 Oscars, dont celui du meilleur film, et a immédiatement établi une nouvelle norme pour les comédies musicales. Il a modernisé le conte shakespearien avec des paroles intelligentes et des numéros éblouissants, chaque pièce présentant une grande valeur de production. En plus de tout cela, le film de 1961 offrirait un regard perspicace sur des problèmes actuels comme le racisme et la mort du rêve américain, ponctué par le destin tragique des personnages principaux.

C'est une vie merveilleuse (1946)

La vie est belle est un classique intemporel des fêtes que certaines familles regardent probablement encore la veille de Noël . Réalisé par Frank Capra, le film de 1946 raconte l'histoire poignante de George Bailey (James Stewart), un homme au bon cœur qui, la veille de Noël, fait face à une crise financière qui pourrait conduire à son arrestation. Alors qu'il envisage de se suicider, l'ange Clarence Odbody (Henry Travers) intervient en montrant à George à quel point le monde serait différent s'il n'était jamais né.

Un classique à la fois déchirant et édifiant, It's a Wonderful Life met en lumière la valeur des petites choses que les gens font à travers l'histoire touchante de George. Alors que le protagoniste réalise l’impact profond qu’il a eu sur la vie de ceux qui l’entourent, il découvre à quel point sa propre existence est réellement importante. C'est une prise de conscience réconfortante qui ne fait que grandir à mesure que les habitants se rassemblent pour soutenir le personnage, offrant une conclusion saine et inspirante à une histoire qui sera forcément chérie pour les générations à venir.

Boulevard du Couchant (1950)

Hollywood peut souvent être à son meilleur lorsqu'il s'auto-critique, et il n'y a pas de meilleur exemple classique que Sunset Boulevard du réalisateur Billy Wilder. À la fois comédie noire et film noir, le film de 1950 dépeint l'histoire folle de la rencontre inattendue du scénariste en difficulté Joe Gillis (William Holden) avec la star oubliée du cinéma muet Norma Desmond (Gloria Swanson). Norma est convaincue qu'elle peut faire un retour, alors Joe accepte de modifier son scénario alambiqué, dans l'espoir de la manipuler dans le processus. Il finit par obtenir plus que ce qu'il avait prévu.

Sunset Boulevard est une excellente représentation d'Hollywood dans ce qu'il a de pire, avec un film sardonique et satirique soulignant les pièges de la célébrité et de l'obsession. Le monde délirant de Norma est rendu crédible par une performance fascinante de Swanson, dont le personnage désarticulé capture l'esprit d'une industrie impitoyable et en constante évolution. Combien les célébrités sont-elles prêtes à donner pour conserver leur célébrité ? Au moins pour Norma Desmond, tout vaut la peine pour son prochain « gros plan ».

Chanter sous la pluie (1952)

L'un des changements les plus importants à Hollywood a été la transition des films muets vers les films parlants ou sonores, et certains des défis que ce changement a présentés sont savamment capturés dans Singin' in the Rain de 1952. Réalisée par Gene Kelly et Stanley Donen, la comédie musicale est centrée sur Don Lockwood (Kelly), une fringante star du cinéma muet, dont la carrière est menacée par l'avènement du son. Aux côtés de son meilleur ami, Cosmo Brown (Donald O'Connor), et de son amoureuse, Kathy Selden (Debbie Reynolds), il fait de son mieux pour s'adapter à la nouvelle technologie. Une intrigue secondaire majeure implique Lina Lamont (Jean Hagen), la co-star de Don avec une voix aiguë inadaptée au cinéma parlant, ce qui complique leur dernier projet de film. La solution? Kathy double les répliques de Lina, ce qui ne se passe pas très bien.

Toujours considéré comme l'une des meilleures comédies musicales jamais réalisées , Singin' in the Rain est une excellente introduction au Old Hollywood, avec son regard à la fois pointu et comique sur un moment charnière de l'histoire du cinéma. Il vient également de vieillir comme un bon vin, grâce à ses numéros musicaux emblématiques qui font encore aujourd'hui une merveille à regarder pour la première fois. Cela inclut certainement la danse spontanée de Kelly sous une pluie battante, qui a été parfaitement filmée et chorégraphiée, devenant finalement synonyme du film lui-même.

Citoyen Kane (1941)

"Bouton de rose." Ce mot aurait un effet indélébile dans l’histoire du cinéma, Charles Foster Kane (Orson Welles) étant désormais considéré comme l’un des personnages les plus importants du cinéma. Le film quasi-biographique également réalisé par Welles raconte la vie du protagoniste titulaire en tant que magnat de la presse riche et influent, l'histoire étant racontée comme une série de flashbacks déclenchés par ce mystérieux dernier mot. Le journaliste Jerry Thompson (William Alland) se donne pour mission de comprendre la signification de « Rosebud », en interviewant ceux qui connaissaient intimement Kane, y compris sa meilleure amie et épouse.

Les techniques narratives et visuelles de Citizen Kane sont peut-être courantes aujourd'hui, mais c'est le pionnier qui a contribué à rendre possibles ce qui sont aujourd'hui des tropes dans le cinéma. De son utilisation d'une narration non linéaire et de dispositifs d'exposition révolutionnaires à sa cinématographie profonde et à son éclairage distinctif, le film de 1941 influencera d'innombrables cinéastes et remodèlera l'avenir du cinéma. Cela ne parle même pas de son histoire innovante axée sur les personnages qui embrasserait l'existentialisme tout en servant de critique cinglante du sensationnalisme médiatique.

Lawrence d'Arabie (1962)

Le réalisateur David Lean a produit l'une des plus grandes épopées de tous les temps avec Lawrence d'Arabie de 1962, qui raconte la vie du personnage historique réel TE Lawrence (Peter O'Toole). L'officier de l'armée britannique est devenu une légende après ses actions pendant la Première Guerre mondiale, où il avait été initialement chargé d'évaluer les perspectives de révolte du prince Faisal (Alec Guinness) contre les Turcs. Embrassant la culture arabe et faisant preuve d'un leadership exceptionnel, Lawrence unit les diverses tribus arabes et les mène dans une guérilla contre l'Empire ottoman.

Lawrence d'Arabie capture de manière vivante la transformation du protagoniste d'un simple soldat à un leader plus grand que nature, O'Toole étant impeccablement interprété comme le personnage compliqué. Son histoire se déroule sur des décors pré-CGI impressionnants, avec des milliers d'extras et un savoir-faire méticuleux garantissant que chaque image est à la hauteur de la gravité de l'histoire puissante du film. Son génie technique garantit que le film continuera à profiter de son héritage d'épopée intemporelle avec une échelle monumentale presque impossible à reproduire.

Psycho (1960)

Psycho est une référence à la fois dans le genre de l’horreur et dans le cinéma dans son ensemble. L'œuvre la plus célèbre et la plus importante du réalisateur Alfred Hitchcock commence avec une secrétaire en fuite, Marion Crane (Janet Leigh), qui a détourné de l'argent de son employeur dans l'espoir de commencer une nouvelle vie avec son petit ami. En fuite, elle s'arrête au Bates Motel, géré par l'étrange Norman Bates (Anthony Perkins), qui vit avec sa mère dominatrice dans la maison qui surplombe le motel. Il devient vite évident que s'y reposer était une erreur.

Il y a eu l'horreur avant Psycho , puis il y a eu l'horreur après, avec le film de 1960 repoussant les limites du type de sexualité, de déviance et de violence pouvant être représenté sur grand écran. Cela aurait également un effet d’entraînement sur le genre, comme le montrent les récits et les techniques ultérieurs qui s’inspireraient directement du film. La réalisation d'Hitchcock élèverait Psychose au rang de légende, le cinéaste insufflant à chaque seconde un suspense palpable et une atmosphère étrange qui rend ses moments les plus choquants encore plus efficaces. Beaucoup d’entre eux deviendront des piliers de la culture populaire, y compris la tristement célèbre scène des douches.

Le Magicien d'Oz (1939)

Le Magicien d'Oz du réalisateur Victor Fleming est un classique bien-aimé qui a redéfini le cinéma fantastique. Il suit Dorothy Gale (Judy Garland), une jeune fille du Kansas emportée par une tornade vers le pays magique d'Oz. Là, elle essaie de trouver le Magicien d'Oz (Frank Morgan) pour l'aider à rentrer chez elle tout en se faisant de nouveaux amis en cours de route avec l'Épouvantail (Ray Bolger), qui veut un cerveau ; le Tin Man (Jack Haley), qui désire un cœur ; et le Lion lâche (Bert Lahr), qui cherche le courage. Ensemble, ils marchent sur Yellow Brick Road, rencontrant bientôt la méchante sorcière de l'Ouest (Margaret Hamilton).

Le Magicien d'Oz n'a peut-être pas été le premier film à utiliser le Technicolor, mais c'est certainement celui qui l'a amené à un public plus large et a marqué le début d'une nouvelle ère dans le cinéma. Dans l'univers visuellement saisissant du film fantastique primé se cache une histoire tout aussi impressionnante de courage et d'amitié, avec la performance de Judy Garland, en particulier son interprétation de Over the Rainbow , devenant rapidement une pierre angulaire de cette époque hollywoodienne. La première a peut-être eu lieu en 1939, mais le public moderne pourrait être surpris de se sentir touché et ravi par la magie durable d'Oz.

Casablanca (1942)

"Je te regarde, gamin." Plus de 80 ans après sa première projection, Casablanca reste l’un des films les plus cités, les mieux écrits et les plus romantiques de tous les temps. Se déroulant pendant la Seconde Guerre mondiale, le film suit Rick Blaine (Humphrey Bogart), un expatrié américain qui possède une discothèque dans la ville marocaine titulaire. Son monde est bouleversé lorsque son ancienne amante, Ilsa Lund (Ingrid Bergman), entre dans son club avec son mari, Victor Laszlo (Paul Henreid), un célèbre chef de la résistance. Ilsa et Victor cherchent un passage sûr vers l'Amérique pour poursuivre leur combat contre les nazis, et Rick détient la clé de leur évasion.

Casablanca est l'exemple parfait de l'un de ces films de type éclair dans une bouteille où tout se réunit au moment précis pour créer un chef-d'œuvre. Le scénario est impeccable, l’alchimie entre Bogart et Bergman est incroyable et le timing est parfait. Le dilemme moral de Rick concernant ses choix pendant la guerre et le drame du triangle amoureux qu'il ne pouvait pas éviter étaient alors captivants et continuent de faire de ce classique un incontournable aujourd'hui. Cela est particulièrement vrai pour les téléspectateurs qui découvrent tout juste les plus grands succès de l’âge d’or d’Hollywood, car Casablanca devrait figurer en tête de cette liste de surveillance.