Les meilleurs films du TIFF 2022

Ce n'était pas un TIFF pour les âges, et ce n'est pas grave : toutes les éditions de cette escapade annuelle d'une semaine pour les cinéphiles et les ciné-vendeurs n'offriront pas une série de chefs-d'œuvre. Cette année, en particulier, il suffisait que le festival se produise, revenant en force après ces deux années impaires de fréquentation à distance. J'étais heureux d'être de retour sur le terrain, faisant la course entre la Banque Scotia et le Lightbox, complétant un régime régulier de restauration rapide hâtive avec un repas occasionnel plus tranquille avec des amis. Et si la pièce de mémoire scintillante de Steven Spielberg qui a fait fondre mes pairs dans des flaques effusives me laissait juste un peu froid? J'ai pu le voir sur un écran géant, pour me prélasser dans la lueur de l'expérience théâtrale. Même quand les films n'étaient pas géniaux, ça l'était.

Et ne vous méprenez pas : beaucoup de films étaient presque géniaux. Ce sont les meilleurs que j'ai vus au cours de la semaine dernière – une collection typiquement éclectique d'héritages cannois et de premières mondiales à Toronto qui m'ont emmené dans un passé lointain et un futur proche, dans l'espace extérieur et intérieur, et bien au-delà.

1. De Humani Corporis Fabrica
Le nouveau documentaire radical de Verena Paravel et Lucien Castaing-Taylor ( Léviathan , Caniba ) sonde les entrailles de plusieurs hôpitaux parisiens, parcourt les veines de ses couloirs et arpente la personnalité de ses praticiens, avant d'aller beaucoup plus loin encore, dans les corps opéré. Pour les délicats, De Humani Corporis Fabrica pourrait ressembler à un film d'horreur, montrant le fonctionnement privé spongieux du cerveau, des intestins et de tout le reste avec une précision rapprochée rarement vue en dehors de l'école de médecine. Mais j'ai trouvé ce voyage fantastique furtivement émouvant, à la fois dans l'étrange beauté qu'il localise dans l'architecture de nos systèmes de vie internes et dans la lumière qu'il jette sur les hommes et les femmes qui réparent ces systèmes pour gagner leur vie. Il m'a montré le monde d'une manière que je n'avais jamais vue auparavant.

2. Pays des Dieux
Un prêtre danois (Elliott Crosset Hove) entreprend un pèlerinage à travers l'Islande inhospitalière du XIXe siècle, alors colonie de son pays natal, pour aider à établir une nouvelle paroisse. En cours de route, ce voyageur élancé et maladroit trahit ses faiblesses en tant qu'homme et homme de Dieu, nourrissant lentement une rancune intense contre le guide de l'expédition (Ingvar Sigurðsson), son opposé polaire en termes d'adaptabilité robuste, de manque de prétention intellectuelle et de taille vacillante. Hlynur Pálmason poursuit le drame de deuil fascinant et énigmatique A White, White Day avec une odyssée sauvage aussi intéressée par le paysage de l'esprit de ses personnages – leurs peurs, leurs désirs, leurs petits ressentiments – que par le paysage saisissant. Godland prend son temps, mais j'ai chéri chaque minute passée dans son ancien monde vivement évoqué, où Pálmason trouve des notes contradictoires d'amertume et de tendresse. À propos du plus grand compliment que je puisse faire au film, c'est que son portrait de voyages ardus m'a rappelé le sombre oater Meek's Cutoff de Kelly Reichardt, le tout premier grand film que j'ai jamais vu à Toronto, il y a plus de dix ans maintenant.

3. Décision de partir
Le dernier film de Park Chan-wook est peut-être le film le moins pervers que le maestro coréen du sexe et de la violence derrière Oldboy and The Handmaiden ait jamais réalisé – une histoire policière qui se transforme progressivement en un mélodrame de séduction et de désir réprimé. Mais Park aborde le matériau avec une ampleur franchement étonnante d'invention visuelle, élevant même les conversations les plus simples avec l'élégance de ses compositions et la fluidité de ses coupes. Il est très facile de voir comment il a remporté le prix du meilleur réalisateur à Cannes l'été dernier – Décision de partir est un excellent exemple de la façon dont un grand cinéaste trouve souvent une façon intéressante de mettre en scène chaque instant de son film. L'as du film dans le trou, quant à lui, est le remarquable Tang Wei, faisant une variation émotionnellement complexe sur la femme fatale, dans ce qui équivaut peut-être à son meilleur rôle depuis Lust, Caution .

4. Après-soleil
Dans une station balnéaire turque, un père et sa fille de 11 ans profitent de plusieurs jours de vacances de détente au bord de la piscine, de repas agréables et de karaoké tard le soir. Peu à peu, il devient clair que ce sont des souvenirs – de petits instantanés de quelques jours significativement insignifiants du passé d'une femme, encadrés par un puissant sentiment de mélancolie rétroactive que le film s'arrête avant d'expliquer explicitement. Le premier long métrage de Charlotte Wells, une autre première cannoise (voyons-nous un modèle ici ?), Est la définition d'un "petit" film, son objectif ne s'élargissant jamais au-delà des plaisirs banals et de la détresse émotionnelle subtile des vacances qu'il dépeint. Mais Wells a un grand œil (il y a des moments inoubliables ici, comme une conversation père-fille capturée d'abord par une caméra vidéo en marche, puis dans le reflet du téléviseur après que la caméra est éteinte), et une grande sensation pour le petits détails d'un voyage qui peuvent s'accumuler dans l'esprit d'une personne, retournés encore et encore jusqu'à ce qu'ils se solidifient en légende personnelle.

5. RMN
Cristian Mungiu, célèbre pour 4 mois, 3 semaines et 2 jours , reste mon préféré des cinéastes roumains de la Nouvelle Vague, en partie parce qu'il structure ses films comme des bombes à retardement de tension. Son dernier raconte une histoire tristement opportune (et encore plus tristement intemporelle) de l'escalade de l'intolérance raciale dans un petit village de Transylvanie réputé pour sa diversité européenne mais qui n'accepte pas si bien quiconque pourrait réellement diversifier sa population. La puissance du film ne vient pas seulement de la vraisemblance outrée de son conflit (un microcosme de ce qui se passe dans toute l'Europe, et dans une si grande partie du reste du monde), mais aussi de la façon dont Mungiu met mystérieusement en parallèle l'épreuve nationaliste blanche de la ville avec les bûcherons exploits de son personnage principal, un morceau frémissant de rage inarticulée dont le rôle dans la procédure reste ostensiblement évasif. La puissance du film réside peut-être dans la manière dont ces deux histoires se croisent et dans la manière dont elles refusent de le faire.

6. Les Banshees d'Inisherin
Laissant derrière lui la vue extérieure savoureuse du sud-ouest américain de son diviseur Three Billboards Outside Ebbing, Missouri , Martin McDonagh retourne dans son Irlande natale mais se livre une fois de plus à son affinité pour les coups de tête intenses. Dans ce cas, le conflit oppose deux amis sur une petite île fictive lorsque l'un d'eux (Brendan Gleeson) décide soudainement, sans provocation, qu'il ne veut plus rien avoir à faire avec l'autre (Colin Farrell), et ira jusqu'à l'extrême. se faire comprendre sur le sujet. Cette réunion à Bruges suscite d'énormes rires, dont beaucoup sont une gracieuseté de Farrell, démontrant une fois de plus son talent découvert tardivement pour jouer les tristes perdants. Mais la prémisse comique inspirée du film contient des sources de souffrance (ne serait-ce pas déchirant de se faire dire sans avertissement que votre meilleur ami ne peut plus vous supporter?) Et McDonagh l'utilise pour refléter doucement les forces plus importantes de la guerre civile qui déchire un pays à part, juste au-delà des frontières d'une communauté faussement idyllique.

7. Oignon de verre
Les critiques ne se plaindraient pas autant de la dépendance à la franchise d'Hollywood si les superproductions IP qu'il a crachées étaient toutes aussi agiles et passionnantes que les mystères de Benoit Blanc de Rian Johnson. Glass Onion , son deuxième polar propulsé par une star, n'est pas aussi élégant ou n'affecte pas une subversion du genre que son premier, Knives Out . Mais c'est tout de même un plaisir de premier ordre, surtout une fois que Johnson commence à revenir sur son histoire, révélant les couches cachées de motifs et de subterfuges qui se cachent derrière un acte d'ouverture sournoisement laborieux. L'attrait de ces films est à la fois démodé et nouveau, réinventant une tradition intemporelle du détective à travers le piège d'acier de l'imagination de la boîte à puzzle de Johnson et la clarté de sa politique de classe.

8. Viking
Huit ans après avoir fait sensation au TIFF avec sa comédie d'apprentissage douloureusement bonne Tu dors Nicole , le scénariste-réalisateur Stéphane Lafleur revient avec un joyau pince-sans-rire sur une étrange simulation : Alors qu'un vaisseau habité se dirige vers Mars, cinq personnes sur Terre – chacun sélectionné pour sa ressemblance émotionnelle et psychologique avec l'un des astronautes en route vers la planète rouge – tente d'anticiper et de dépanner les conflits réels survenant ou susceptibles de survenir entre leurs homologues dans l'espace. Lafleur joue le scénario des rires absurdes tout en manifestant une profonde curiosité quant à la façon dont nous gérons et essayons tous d'anticiper nos réponses émotionnelles à tout. On pourrait imaginer un traitement plus casse-tête de la prémisse, mais j'ai été assez impressionné par cette prise discrète, qui pourrait également servir de commentaire de Lafleur sur l'absurdité essentielle du cinéma.

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