Qu’est-ce que le montage invisible? Comment maîtriser le métier
Juxtaposer des images de jouets de post-production avec la psyché.
Un homme lorgne avec envie après le bol de soupe, mourant de faim après une dure journée de travail, ou du moins il le fait dans l'esprit du spectateur. La réalité: cet homme n'a peut-être même jamais eu l'odeur de la soupe en question. En fait, les deux clichés peuvent avoir été acquis à des mois d'intervalle.
C'est le résultat d'une édition invisible, et nous entrerons exactement dans ce que cette technique implique.
Qu'est-ce que le montage invisible?
En tant que cinéphiles avertis et modernes, nous sommes beaucoup trop brillants pour tomber dans des tours bon marché. Ou sommes-nous?
Nous payons pour regarder les Spielberg et les Michael Bays de notre journée travailler leur charme à l'écran, tout en sachant très bien qu'Optimus Prime peut tout aussi bien être le fruit de notre imagination. Pourtant, nous frémissons à chacun de ses mouvements, captivés et ravis par le spectacle.
Qu'y a-t-il dans les films qui nous incitent à revenir pour plus?
La technique qui nous suspend dans l'incrédulité s'appelle l'édition invisible. Il permet au spectateur de regarder à travers une fenêtre qui ressemble à la façon dont nous suivons l'action dans la vie réelle. Les plans sont travaillés ensemble de manière transparente afin que nous reconstituions l'histoire sans interruption.
Comment modifier en toute transparence: tout commence sur le plateau
Une édition invisible réussie commence sur le plateau. Si le tournage à la volée est amusant et excitant, les cinéastes professionnels ne jurent que par la puissance d'un plan solide avant de se lancer.
Sauter les armes sans avoir planifié votre histoire du début à la fin peut vous faire bousculer en post-production. Avoir un plan concret ne limite pas votre vision. En fait, une fois que vous avez tout ce dont vous avez besoin, vous risquez de vous retrouver avec du temps pour explorer d'autres avenues tout en restant derrière la caméra.
Une fois que vous avez les os nus, vous voudrez travailler avec votre DP (directeur de la photographie) sur quelque chose appelé une liste de plans. En rassemblant vos têtes, vous passerez du temps à visualiser le film et à parcourir chaque scène de manière logique afin d'identifier les éléments à l'écran qui sont vitaux pour l'histoire racontée.
Savoir comment chaque séquence passera à la suivante vous permet de considérer plus minutieusement les jonctions entre chaque plan. De cette façon, vous «regardez» le film dans votre esprit plusieurs fois avant de commencer votre travail ensemble.
Lorsque vous savez sur quoi l'un de vos personnages pointe son arme dans la diégèse, vous êtes plus en mesure de diriger l'acteur en conséquence, en présentant l'action d'une manière qui sert le prochain coup à venir.
Apprendre à connaître l'art de la continuité
La synergie reliant logiquement chaque plan au suivant est appelée continuité. Mais quelles conventions nous permettent de tourner des scènes complexes avec continuité?
En ce qui concerne votre équipage, un superviseur de scénario sera la première ligne de défense contre les tirs qui s'affrontent. Idéalement, cette personne montera également le film. Armé jusqu'aux dents avec un classeur, un script et un moniteur, il ou elle suivra attentivement la production se poursuivant, permettant à tout le monde de se concentrer sur ses propres pièces du puzzle.
Cela dit, ce sont là quelques-uns des principaux éléments de continuité à surveiller.
Direction de l'écran
Une personne sur le côté gauche de l'écran lance un ballon de football qui vole du bord le plus à droite. Dans le plan suivant, son fils, sur le côté droit de l'écran, le reçoit lorsqu'il entre dans le cadre par la gauche.
Si les deux tirs étaient présentés en même temps, côte à côte, le parcours du football semblerait ininterrompu s'il était correctement chronométré. La continuité est ce qui nous porte à croire que les deux événements se sont déroulés dans une séquence continue. Cela est vrai même si les plans ont été acquis loin les uns des autres dans la réalité, voire dans le désordre.
Si leurs positions et la direction du ballon étaient tournées à l'opposé, la progression qui en résulterait aurait l'air et se sentirait maladroite.
Chronométrage et action de correspondance
Une scène de dialogue entre deux personnages doit correspondre à un rythme confortable similaire à une conversation normale. L'éditeur est capable de choisir les meilleures prises des acteurs, puis de coordonner harmonieusement les lignes choisies. Ce qui a peut-être été une performance terne à l'époque peut être considérablement accéléré avec un peu de timing intelligent.
Comme autre exemple, revisitons le scénario du football: le temps que le football passe dans les airs entre père et fils est facile à comprendre et à prévoir. S'éloigner trop de la durée pendant laquelle le spectateur s'attend à ce que le ballon soit dans les airs créera un sentiment différent.
Trop rapide et le spectateur peut ne pas être en mesure de suivre ce qui s'est passé. Trop lent, et l'effet peut finir par être plus comique que sincère, alors que le garçon attend sincèrement en vain son tour pour renvoyer la peau de porc.
Lignes des yeux
Tenez compte de la direction à laquelle chaque acteur est confronté lorsqu'il accomplit une action ou prend la parole. À moins de photographier tout à la manière d'un avant-scène, au carré avec le plan d'image de la caméra, vous voudrez vous assurer que le regard d'un personnage rencontre quelque chose de tangible dans le prochain plan.
Ceci est particulièrement important lors de la prise de vue d'un dialogue. Chaque visage doit s'adresser à un autre directement et clairement, en particulier dans les scènes de table ronde plus compliquées où plusieurs se parlent simultanément.
La règle des 180
La règle des 180 est au cœur de tout ce qui précède. Vous connaissez peut-être les cinéastes qui parlent de «sauter la ligne» pendant la production.
Cela signifie que, en ce qui concerne la scène, une ligne d'action doit être tracée physiquement à travers le décor. Cette ligne peut être n'importe où; une fois établi, cependant, il faut veiller à ne pas le franchir.
Cette technique très simple règne dans un plan de match qui pourrait sinon facilement sombrer dans le chaos. Lorsqu'il est croisé, tout dans le monde du film se retourne à l'écran – les deux côtés de la ligne seront acceptables, mais les séquences filmées de côtés opposés ne sont pas compatibles et ne peuvent pas être coupées ensemble de manière transparente.
Marquer cette ligne au sol avec du ruban adhésif vous gardera, vous et votre équipage, sur vos orteils. Avant de partir pour tirer, un repéreur de localisation suivi d'un diagramme de haut en bas de la zone peut être utilisé pour planifier où tracer votre ligne. Cela vous évitera de vous tirer dans un virage serré dans le feu de l'action.
Maîtriser le montage invisible
Apprendre à éditer de manière transparente commence par avoir le matériel source tourné avec un but. Cela étant dit, cependant, vous ne devriez jamais abandonner sur une scène des pièces manquantes – la marque d'un maître est sa capacité à tout mettre ensemble, même dans les circonstances les plus sombres.
Faire fonctionner tout cela fait partie du défi. Il n'y a pas de temps comme le présent pour plonger et commencer!