Vous n’avez probablement pas vu les meilleurs films de 2024. Voici pourquoi vous devez le faire maintenant

Ne mâchons pas nos mots : 2024 a été une année misérable pour l’Amérique, pour le monde et pour l’humanité dans son ensemble. Il n’est pas étonnant que les cinéphiles se soient retirés en grand nombre vers les plaisirs familiers ; même Wicked , la seule non-suite à avoir enflammé le box-office ces 12 derniers mois, est une forme de nourriture réconfortante réchauffée. S'il ne s'agissait pas d'une pure évasion de franchise, si cela ne promettait pas de passer un bon moment pour leur argent durement gagné, la plupart des gens ne s'en soucieraient pas. Ainsi, le chevauchement des films destinés aux soi-disant cinéphiles et des films destinés aux soi-disant masses a semblé se réduire, nous rapprochant d'un avenir où ce diagramme de Venn ne serait que deux cercles qui ne se touchent pas.

Mais ensuite il y avaitAnora . Anora sauvage, hilarante et terriblement triste . Aucun système binaire qui divise la culture cinématographique entre « art » et « divertissement » ne pourrait expliquer la tragi-comédie loufoque de Sean Baker sur une danseuse érotique de Brighton Beach qui tombe, contre son meilleur jugement, dans une romance éclair avec le fils playboy d'un oligarque russe. Anora est un moment formidable, mais ce n'est pas une évasion. Au contraire, le film parle de l’illusion de l’évasion et de la réalité désespérée d’une Amérique où tout est transactionnel. Dans une année où les gens traitaient les films comme une distraction indispensable, Anora a regardé directement les inégalités de l'ici et maintenant, même si cela offrait de plus grands succès de plaisir que n'importe quel blockbuster.

Rarement un film doté d’une telle énergie joyeuse se sent-il aussi lié à la dure et déchirante vérité de son époque. C'est un peu une spécialité du boulanger. Le scénariste-réalisateur associe toujours sa conscience sociale à son appréciation malicieuse des vauriens et des agents du chaos. La plupart de ses films, comme Tangerine et Red Rocket et le sublime The Florida Project , jettent un éclairage empathique sur les épreuves et tribulations des travailleuses du sexe. Mais ce ne sont jamais des corvées misérables ou des odes solennelles à la noblesse des moins fortunés. Ils osent être scandaleusement drôles. Et ils refusent de traiter leurs personnages comme des saints en carton, exempts de défauts ou de bizarreries.

Cela vaut également pour Ani, la strip-teaseuse cuivrée Mikey Madison qui joue dans Anora . Une critique adressée au film est qu'il ne consacre pas suffisamment d'attention à la vie ou à la vie intérieure de son héroïne. Mais c’est un film sur quelqu’un qui se protège farouchement. Madison, dans une performance révélatrice qui a mérité de nettoyer cette saison de récompenses, continue d'éplucher les couches de son protagoniste : nous voyons le sexpot de rêve qu'elle fabrique pour ses clients, puis la jeune fille romantique qui se cache en dessous, puis la combattante effrayée mais provocante en dessous . , jusqu'à un dénouement hivernal où peut-être que nous voyons enfin – comme l'homme dans la voiture avec elle – la vraie Ani. Bien sûr, elle n’est jamais qu’une seule chose. Le film non plus.

La structure d’ Anora est audacieuse, inspirant une sorte de coup de fouet palpitant. Pendant un moment, Baker nous entraîne directement dans les montagnes russes glamour de l'histoire d'amour d'Ani, Pretty Woman, classée X , avec la turbulente homme-enfant Vanya (Mark Eydelshteyn) – une histoire de Cendrillon cokée pour adultes qui se déroule dans un flou euphorique de montage. Ensuite, la lune de miel est terminée et le film ralentit pour devenir un malheur presque en temps réel, mais il ne perd pas son irrésistibilité. Au lieu de cela, Baker relance Anora dans une autre de ses comédies de stress tourbillonnantes, introduisant un groupe de crétins amusants qui – comme notre héroïne – sont tous mêlés à l'économie d'une famille ultra-riche, y compris un descendant qui s'ennuie lors d'une balade. course de vitesse du rêve américain.

Le film continue de renverser ingénieusement sa propre trajectoire apparente. Cela nous séduit tout comme Ani en nous faisant adhérer à son fantasme d'évasion luxueuse – puis, après que les roues se soient spectaculairement retirées de ce rêve éveillé, en tombant amoureux du autre type de fantasme que Baker semble conjurer pour le remplacer. Le film deviendra-t-il une comédie romantique furtive sur des travailleurs mal assortis qui nouent des liens au cours d'une journée de bousculade à travers Brooklyn ? Ani tombera-t-elle amoureuse de l'homme de main secrètement sensible, Igor (Yuriy Borisov), qui semble voir clair dans sa bravade ? Chaque fois qu’Anora s’approche d’une catharsis qui plaira à tout le monde, cela complique les choses.

Et Baker n'a pas peur de courtiser l'inconfort, de se mettre dans la peau du public. La pièce maîtresse inspirée du film, lorsque cette voiture clownesque d'hommes de main s'écrase dans le nid d'amour de Vanya et Ani (amenant un robuste ensemble d'essoreurs comiques), marche sur une corde raide entre hilarité et suspense nauséabond. Les rires vous tiennent à la gorge. Plus tard, le film prépare un baiser à venir, offrant à Ani une affirmation juteuse de sa propre liberté financière, un micro #YasQueen. La foule applaudit… jusqu'à ce qu'Anora la ramène instantanément (et nous) à la réalité. Cela ne peut pas être si facile.

Aucun film cette année n'a chevauché avec autant d'extase la ligne séparant le moderne et le classique. Baker, malgré tout son intérêt quasi documentaire pour les sous-cultures du bousculade américain contemporain, est profondément en contact avec l'esprit du cinéma d'hier. Son Anora ressemble à l'enfant bâtard de Vittorio De Sica, ce maître italien du néoréalisme, et de Preston Sturges, le roi hollywoodien du cinglé. Juste, tu sais, avec plus de lap dance. Comme dans The Florida Project , le fantasme de la princesse Disney devient un raccourci pour un monde meilleur et plus confortable – un royaume magique – hors de portée des personnages en difficulté de Baker. Il parle des difficultés du 21e siècle dans le langage du cinéma du 20e siècle.

Malgré toute l’intemporalité de sa farce, Anora est vraiment un film du moment. Les habitudes de Baker sur les réseaux sociaux ont peut-être discrètement remis en question sa politique personnelle, mais entre son dernier film et son dernier – le tout aussi déchirant Red Rocket , une étude clairement allégorique d'un parasite charismatique bonimenteur – peu de cinéastes ont offert un portrait plus perspicace de ce que nous devons maintenant continuer à identifier comme l’ère Trump. Dans une année où les riches sont devenus plus riches, canalisant leurs ressources inépuisables dans la campagne d'un gros chat promettant de les rendre encore plus riches, Anora a exprimé de profondes douleurs d'empathie compatissante pour tous ceux qui vivent sous la coupe des oligarques (en particulier ceux qui ont de l'argent russe et intérêts). Il n'est pas exagéré de dire que Baker puise dans le même puits de désespoir, de rage et de solidarité de classe qui alimente l'histoire d'amour du public avec Luigi Mangione .

Au cours des dernières semaines, Anora est devenue un objet de débat. Elle a ses fervents défenseurs et ses véhéments détracteurs. Il s'agit d'une réponse saine et naturelle à un film impétueux qui fait plaisir au public et qui s'intéresse aux sentiments du public à l'égard des cours et du travail du sexe et à l'attrait alléchant de la mobilité ascendante. Comme beaucoup de grands films avant lui, Anora peut résister aux objections et soutenir des interprétations alternatives. Votre humble serviteur a écrit sur la fin il y a quelques semaines, et c'est un témoignage de l'ambiguïté de ces tendres dernières minutes qu'une vision totalement différente – celle qui centre la douloureuse vulnérabilité d'être perçu – semble tout aussi valable.

Même si elle atteint ces dernières minutes qui donnent à réfléchir, l’inévitable gueule de bois à la fin de la cintreuse, Anora reste en vie à bout de souffle. Il se nourrit, comme tout grand cinéma, de contradictions. C'est une lamentation d'une ouvrière qui trouve le politique dans le personnel, un conte de fées qui implose sous vos yeux sans perdre son éclat, et une comédie d'erreurs qui vous brise le cœur même si elle vous laisse à bout de souffle avec sa mésaventure maladroite. C’était une lueur d’espoir d’humanisme burlesque au cours d’une année souvent désespérée – et le meilleur film que ce critique ait vu en 2024. En voici neuf autres qui brillaient dans l’obscurité comme des prix de consolation.

2. Furiosa : une saga Mad Max

Lorsque vous avez réalisé l’un des plus grands films d’action, que pouvez-vous faire comme rappel ? Revenant à l'Outback stérile et hors-la-loi de son Mad Max , George Miller refuse néanmoins de se répéter, façonnant un préquel carrément dickensien dans son étalement et rappelant Sergio Leone dans sa vision exagérée de vengeance frontalière. Toute course de retour sur Fury Road était probablement vouée à décevoir, mais ceux qui étaient accrochés au manque relatif de folie automobile ont raté le désert pour les derricks. Même avec la pédale un peu décalée, Miller a laissé les autres superproductions de l'année dans sa poussière avec une image ahurissante après l'autre.

3. Tout ce que nous imaginons comme lumière

"Un film européen se déroulant en Inde", voilà comment les gardiens du comité de sélection ont décrit le premier saut de Payal Kapadia du documentaire au cinéma narratif – une mince raison pour garder un drame d'amitié intergénérationnelle aussi observé avec émotion hors de la course aux Oscars pour le long métrage international. Pourtant, il n’y a rien de fondamentalement régional dans la joie et la solitude que Kapadia trouve de manière ambivalente à Mumbai à travers l’histoire de trois femmes d’âges différents qui y naviguent. Si vous avez bravé l'agitation d' une ville, vous pourriez apercevoir votre propre reflet dans les regards du film par les fenêtres des appartements et dans le flou des trains qui passent. Cet écrivain a également entrevu les visions sensuelles de Wong Kar-wai et de Claire Denis, ce qui est à peu près le plus grand compliment qu'il puisse espérer recevoir.

4. Challengers

Non, les joueurs de tennis ne se fréquentent pas. Luca Guadagnino recherche un ménage à trois plus compliqué avec son histoire de deux champions en herbe (Mike Faist et Josh O'Connor) et de son compatriote étoile montante du sport (Zendaya) qui s'interpose entre eux – et puis, peut-être, trouve un moyen de rassemblez-les à nouveau. Sur le terrain comme en dehors, la mise en scène de Guadagnino est électrisante, faisant du spectacle visuel un va-et-vient de ressentis et de sentiments. Et il travaille à partir du scénario le plus spirituel, ludique et complexe de cette année – un jeu de services et de retours de Justin Kuritzkes qui se déroule sur plusieurs années et arènes de compétition. Challengers est un divertissement pour adultes tellement enivrant, dans la riche tradition de quelque chose comme Bull Durham , qu'on a du mal à croire qu'il soit sorti d'Hollywood moderne.

5. J'ai vu la télévision briller

Ayant déjà réalisé l'un des films les plus perspicaces sur le monde en phase terminale , la scénariste-réalisatrice Jane Schoenbrun revient à une époque antérieure à celle de tout le monde. Leur deuxième long métrage obsédant est le cinéma millénaire par excellence, nous plongeant dans une banlieue fantôme de la fin des années 90 d'adolescents solitaires se connectant non pas par modem mais via leur dévotion commune à un feuilleton surnaturel. Schoenbrun a conçu I Saw the TV Glow comme un récit édifiant pour un public trans, mettant en garde contre l'agonie de garder son vrai soi enfermé comme une vieille boîte d'enregistrements VHS. Mais dans le particulier se trouve l'universel : quiconque a blanchi son identité à travers une obsession de la culture pop – comme la programmation de WB et Nickelodeon que Schoenbrun évoque si étrangement – ​​pourrait s'identifier à la mélancolie effrayante du film.

6. L'été dernier

Le sexe est une comédie, affirmait un jour la réalisatrice française Catherine Breillat au titre d'une des premières provocations. C'est aussi une manière d'établir et d'explorer le pouvoir, un sujet abordé dans le dernier drame du cinéaste, dans lequel une avocate bourgeoise (Léa Drucker) se lance presque inconsidérément dans une aventure taboue avec le fils adolescent de son mari (Samuel Kircher). Breillat joue à la fois avec les conventions des fantasmes MILF d'origine et avec un inconfort général avec ceux-ci ; ceux qui ont trouvé les Challengers trop apprivoisés n'auront probablement pas les mêmes objections à sa franche charnalité d'écart d'âge. Mais le véritable feu d'artifice psychologique arrive dans la seconde moitié, lorsque Last Summer devient un portrait fragile de l'auto-préservation et une leçon sur la manière dont le sexe peut être un aperçu des véritables conneries du monde adulte.

7. Crête rebelle

Le cinéma politique comme divertissement grand public, tout comme Anora . Aaron Pierre, que l'on peut maintenant entendre (mais pas voir) dans Mufasa de Disney , livre ce qui aurait dû être un tournant dans Rebel Ridge , dans le rôle d'un entraîneur militaire cool et concombre qui se retrouve à affronter un shérif d'une petite ville et la pratique courante (et exaspérante) de confiscation des biens civils. Bien que le réalisateur Jeremy Saulnier se soit fait un nom avec des thrillers macabres et survoltés comme Green Room , il garde sa dernière merveille de suspense à la limite de la violence. Ceux qui espèrent voir des flics corrompus comprendre horriblement ce qui leur arrive n'ont pas compris l'intérêt d'un film d'action qui parle uniquement de la police de contrainte qui refuse si souvent de faire de l'exercice.

8. Chambres rouges

Il n'y a pas non plus beaucoup de violence dans Red Rooms – pas grand-chose que nous voyons réellement, bien sûr. Bien que le psychodrame extrêmement troublant de Pascal Plante concerne un tueur en série vicieux qui viole, torture et démembre brutalement des adolescentes, nous n'avons que quelques brefs aperçus de son œuvre obscène. Nous entendons cependant le meurtre, et cette fenêtre sonore devient une sorte de taquinerie sombre et alléchante, osant provoquer une connexion inconfortable entre le spectateur et le personnage principal, un mannequin montréalais (Juliette Gariépy, plus effrayante qu'Hannibal Lecter d'un mile) dont la fixation sur les crimes et leurs auteurs se répand dans les recoins les plus sombres du dark web. Alors que le film s'intéresse au mystère de ses motivations, sa fascination pour les accidents de voiture se transforme en un sombre miroir, accusant subtilement le public de tout, de Rotten.com au vrai crime en passant par, oh, Terrifier 3 .

9. Le fond

Coralie Fargeat sait que pour décortiquer réellement l'effroyable superficialité d'Hollywood, il faudra une masse, pas un scalpel. La satire cauchemardesque du réalisateur français The Substance est tout aussi large et grotesque que l'industrie qu'elle critique, ce qui signifie qu'elle devrait plaire aussi bien aux condamnés à perpétuité qu'aux gorehounds du showbiz. La seule chose plus accentuée que les effets pratiques littéralement époustouflants (un rappel à l'apogée glorieuse et gluante de Screaming Mad George) est le mépris de Fargeat pour un monde où la survie des plus aptes chimiquement et chirurgicalement est essentielle. Au milieu de l'averse torrentielle de sang, de pus et de parties du corps, nous obtenons quelques notes d'agrément étrangement poignantes, principalement grâce à la performance intrépide et féroce de Demi Moore en tant que symbole sexuel luttant pour se détacher bec et ongles pour survivre à la date d'expiration fixée par une ville avec très normes de beauté impitoyables et très irréalistes.

10. Réveillon de Noël à Miller's Point

Grâce à Hallmark, Lifetime et Netflix, les films de Noël arrivent désormais par douzaines ou plus chaque année. Mais il est rare d’en rencontrer un qui capture tout le spectre des émotions – et en particulier la mélancolie vague et flottante – que la période des fêtes peut provoquer. Tyler Thomas Taormina ( Ham on Rye ) s'en rapproche avec son dernier drame indépendant, qui plonge les téléspectateurs dans le rassemblement annuel d'une famille élargie dans une banlieue de New York. Christmas Eve in Miller's Point observe simplement, avec une diligence digne du Père Noël, les rituels, les routines et la dynamique de ce clan, sans jamais ressentir le besoin d'imposer un cadre narratif plus large à la nuit en question. Cela dit, les tensions – une caractéristique de tout vrai Noël avec les proches – se répercutent sur la surface de sa jolie tapisserie de Noël.

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