Tous les nominés à l’Oscar du meilleur film 2024, classés

Tôt ce matin (comme c'est la tradition, perversement tôt), Zazie Beetz et Jack Quaid ont présenté à une Amérique aux yeux larmoyants les nominations pour la 96e cérémonie annuelle des Oscars . Il y a eu peu de grandes surprises parmi les 10 films sélectionnés pour concourir pour le prix du meilleur film – c'était une programmation attendue qui s'était solidifiée en gospel au cours des dernières semaines. Le jour des nominations, nous avons généralement une assez bonne idée des films que nous allons entendre nommés.

Peut-être que cette fatalité serait encore plus décourageante s’il n’y avait pas une récolte assez solide de prétendants. Il n’y a pas de vraies folies en compétition pour le meilleur film cette année. Et au sommet, il y a deux quasi-chefs-d'œuvre, dont le meilleur film de l'année, qui se trouve également être le favori. La programmation couvre également un éventail de budgets et de définitions du succès, les plus grandes sensations de l'année allant de pair avec des tarifs internationaux plus modestes (y compris trois films sans précédent entièrement ou principalement dans une langue autre que l'anglais).

Bien entendu, ces 10 films constituent également un spectre de qualité. Et nous sommes ici pour les passer du pire au meilleur, tout en indiquant aux lecteurs comment ils peuvent voir chacun pour établir leur propre classement personnel.

10. Maître

Un vaisseau impeccable au service de… quoi, exactement ? Il est évident que Bradley Cooper s'est immergé dans la vie et l'œuvre de Leonard Bernstein – travaillant pendant des années pour obtenir chaque détail, derrière et devant la caméra. Peut-être trop apparent. Un biopic comme un somptueux projet de vanité, Maestro mène sa propre campagne interne Pour votre considération, implorant les téléspectateurs d'admirer l'élégance spectaculaire du cinéma de Cooper et la précision tout aussi pointilleuse de son impression (aidé par l'accessoire le plus convivial de l'Académie, un nez prothétique). . Ce que le film n'offre jamais, c'est la suggestion d'une perspective sur son sujet vénéré au-delà d'un intérêt superficiel pour les contradictions de sa vie amoureuse de coureur de jupons queer toujours épris de la femme qu'il a épousée. Aucune critique de ce bel hommage aux ambitions artistiques d'un homme (devinez lequel) ne pourrait rivaliser avec les conclusions du fils de Bernstein, Alexander : « Je sais que j'ai beaucoup appris sur Bradley Cooper.​​ »

9. Fiction américaine

American Fiction est constitué de deux films maladroitement assemblés : l’un est un portrait chaleureusement observé de la vie des Noirs américains, l’autre une satire cynique du monde éclairé. Il y a, pour être honnête, une rime et une raison à la bifurcation du premier long métrage du scénariste-réalisateur Cord Jefferson : les scènes centrées sur la vie familiale et amoureuse de l'auteur en difficulté Thelonious « Monk » Ellison (Jeffrey Wright) présentent une alternative nuancée au Du porno stéréotypé de pauvreté qu'il répète parodiquement avec son best-seller accidentel. Malheureusement, le premier matériel est si réfléchi – grâce en grande partie aux performances formidables de Wright, Sterling K. Brown, Tracee Ellis Ross et bien d’autres – qu’il ne peut s’empêcher de mettre en évidence l’ampleur de la critique du showbiz. Comme c'est dépassé aussi. En adaptant le roman Erasure de Percival Everett de 2001 , Jefferson sélectionne une cible littéraire bien au-delà de sa date d'expiration, sans parler de la façon dont les médias sociaux rendraient le mensonge de Monk encore plus difficile à cacher aujourd'hui. Alors que Bamboozled, aux vues similaires, ébouriffait les plumes en son temps, American Fiction se déroule plus doucement, sans jamais menacer de véritablement gêner le public qui l'a applaudi sur le circuit des festivals.

8. Barbie

Le plus grand succès de l'année – un véritable phénomène qui a sauvé les films, si l'on en croit les gros titres – est l'un des blockbusters les plus conscients jamais réalisés. Comment vendre un ensemble de jeu Mattel en direct sans s'épuiser ? Greta Gerwig a clairement transposé cette lutte dans Barbie , une comédie de studio brillamment irrévérencieuse enfermée dans une conversation constante et épuisante avec elle-même. La conception de production extatiquement colorée donne à l'ensemble de l'entreprise un éclat pop-art sympathique, tandis que certaines des performances – en particulier celle de Margot Robbie en tant qu'icône idéalisée sortant de l'autre bout d'une crise existentielle et la version hilarante de Ryan Gosling sur un himbo MRA – élèvent presque le film au-dessus de son impasse névrotique de contradictions. Mais ce qui ressort principalement, c'est la tentative pleine d'espoir et laborieuse de Gerwig pour tout obtenir : se moquer légèrement de manière subversive de l'usine de poupées tout en s'assurant que ses produits continuent de s'envoler des étagères.

7. Les vestiges

Ceux qui ne sont pas allergiques à la tragi-comédie particulière d’Alexander Payne – lourde de pitié et de chutes – peuvent en toute sécurité faire grimper celui-ci de quelques places. The Holdovers est indéniablement sa concoction la plus agréable depuis des années, jetant un filtre ambulant, Hal Ashby, hollywoodien des années 1970 sur l'histoire d'un universitaire grincheux (Paul Giamatti, merveilleux même quand le film ne l'est pas) qui dégèle lentement pendant des vacances d'hiver coincées. garder un type Holden Caulfield (Dominic Sessa). Seul un Scrooge total s'accrocherait aux moindres détails du riff hirsute de Payne sur A Christmas Carol … comme, disons, si Paul Hunham de Giamatti avait vraiment besoin non pas d'une, pas de deux, mais de trois maladies physiques, ou pourquoi le film présente toute une bande. d'autres orphelins pour la saison, pour ensuite les écrire après une demi-heure. Conçu à l'origine comme une série télévisée, The Holdovers étend également une prémisse discrète et attachante à la durée de votre film Marvel moyen. Certains diraient que cela est crucial pour son charme délabré. Au risque de ressembler à un « cancer du pénis sous forme humaine », nous ne sommes respectueusement pas d’accord.

6. Vies antérieures

Il y a une lueur de profondeur chez le chéri critique en titre de l'année dernière, une sensation de Sundance sur des amoureux d'enfance se réunissant à travers les continents et les décennies – d'abord en tant qu'étudiants au début de la vingtaine, puis en tant que trentenaires plus âgés et plus sages. Ce n’est pas un grand reproche à Past Lives de dire qu’il ne peut pas transmettre le poids du passage du temps aussi profondément que l’une de ses influences les plus évidentes, la trilogie Before de Richard Linklater . Mais on pourrait souhaiter un peu plus de désordre émotionnel ; tout le monde dans le film navigue dans une situation délicate avec une maturité si improbable qu'il semble que la scénariste-réalisatrice Céline Song ait prétraité tous les sentiments compliqués du matériau, offrant finalement quelque chose de beaucoup moins dramatique que ce que promet la séquence d'ouverture intrigante et voyeuriste. Pourtant, si la portée du film dépasse sa portée, c'est un très bon problème pour un début. Celui-ci reste magnifiquement tourné et coupé, avec un triangle de belles performances de Greta Lee, Teo Yoo et John Magaro.

5. La zone d'intérêt

Voici toutes les preuves dont vous pourriez avoir besoin que l’Académie est impuissante à résister à une histoire sur l’Holocauste. Après tout, le drame domestique cauchemardesque de Jonathan Glazer sur la maison de rêve et la famille heureuse d'un commandant nazi (Christian Friedel) est par ailleurs l'antithèse d'un « film aux Oscars », transformant les horreurs d'Auschwitz en une absence structurelle, un grand mal hors champ véhiculé uniquement à travers des intrusions révélatrices : un éclat de fumée s'élevant dans un coin du cadre, un cri lointain au fond du mix. The Zone of Interest pourrait bien être le film le plus formellement discipliné jamais nominé pour le meilleur film. En fait, c'est sans doute trop discipliné ; Une fois que vous avez compris son point de vue sur la proximité de la société polie avec les atrocités qu'elle tolère, il ne reste plus qu'à se lancer dans un sombre jeu de Trouver les Différences. Intelligemment conçue, magistralement exécutée, l'installation de Glazer from Hell est si monolithique dans sa sévérité kubrickienne qu'elle s'éloigne du sentiment de découverte… du moins jusqu'à la scène finale, une rupture brillante qui envoie des ondulations de nouveau sens à travers l'image.

4. Anatomie d'une chute

Une autre année, un autre lauréat cannois distribué par Neon se fraye un chemin dans la course au meilleur film. Contrairement à Parasite ou Triangle of Sadness , le drame juridique captivant de Justin Triet n'est pas une transmission venant des lignes de front d'une guerre de classes internationale. Différents ressentiments couvent sous la surface de son histoire, dans laquelle un homme plonge mystérieusement vers la mort du toit de son chalet dans les Alpes françaises, jetant les soupçons sur sa femme romancière (Sandra Hüller, remarquable, inconnaissable) et ouvrant une fenêtre sur le tensions de leur mariage. Il n'est pas si surprenant que Anatomy of a Fall entre dans cette catégorie, car la barrière linguistique est mince pour un mélange aussi captivant de théâtre domestique et de salle d'audience (bien que l'hostilité sanctionnée du système juridique français ait un certain attrait exotique). Ce qui s’est réellement passé sur ce toit fait l’objet d’un débat. Il en va de même pour savoir si la réticence de Triet à nous le dire est productivement audacieuse ou un peu insatisfaisante.

3. Pauvres choses

Le provocateur grec Yorgos Lanthimos est un prétendant improbable aux Oscars depuis les jours de gloire dérangés de Dogtooth , mais il n'a jamais rien fait d'aussi clairement dans la timonerie de l'Académie – c'est-à-dire à la limite du courant dominant – que ce conte de fée baroque steampunk sur une expérience victorienne de une science folle s'éveillant à ses désirs, charnels et autres. Si Poor Things n'est pas l'allégorie la plus sophistiquée (vous n'aurez pas besoin d'une pelle pour découvrir le sous-texte), c'est une huée de débauche, appliquant l'imagination visuelle fêlée du réalisateur à la volée de pidgin bon mots souvent hilarants du scénariste Tony McNamara. La véritable décharge électrique vient des acteurs : Willem Dafoe transmettant des notes de pathos salé sous d'incroyables prothèses de puzzle ; Mark Ruffalo puisant dans une magnifique pétulance de dandy ; et Emma Stone introduisent lentement Bella Baxter à travers le spectre psychologique reliant l'enfance à l'âge adulte, dans la performance comique inspirée de l'année et de sa carrière.

2. Tueurs de la Lune des Fleurs

A 81 ans, Martin Scorsese ne montre aucun signe de fatigue créative. Au contraire, il est entré dans une nouvelle renaissance de méditations imposantes sur l’âme pourrie de l’Amérique. Son dernier film monumental restructure le best-seller non-fictionnel de David Grann en une épopée policière particulièrement poignante, avec une histoire de trahison intime servant de porte d'entrée dans la conspiration des années 1920 visant à assassiner et à escroquer une riche famille Osage. Comme dans le dernier de ses films nominé pour le meilleur film, The Irishman , Scorsese construit tranquillement un récit de méfaits aggravés autour d'un vide moral (Ernest vaguement coupable de Leonardo DiCaprio, un spécimen humain véritablement en faillite) tout en localisant la conscience indignée du film dans un témoin fixe, parfois silencieux (Mollie de Lily Gladstone, malade de maladie et de chagrin). Ne soyez pas surpris si Killers of the Flower Moon rentre chez lui les mains vides ; des films aussi intransigeants remportent rarement des Oscars, même lorsqu'ils sont le fruit d'une légende vivante au sommet de son art au crépuscule de sa vie.

1. Oppenheimer

Il faut revenir à Titanic ou à Il faut sauver le soldat Ryan pour trouver une plus grande évidence pour l'Oscar du meilleur film – il n'y a pas de choix plus judicieux pour le prix le plus prestigieux qu'Hollywood lui-même. À l’instar de ces superproductions prémillénaires, l’histoire originale de The Bomb de Christopher Nolan a été un phénomène au box-office qui a redonné confiance dans la capacité des spectacles destinés aux adultes à dominer à nouveau l’imagination du public. À quoi sert le meilleur film si ce n’est pour reconnaître un véritable collisionneur de protons d’un événement qui a mêlé popularité, acclamation et impact culturel ? Il est bien sûr utile qu'Oppenheimer ne soit pas seulement le film déterminant de 2023 , mais aussi son meilleur : un thriller historique éblouissant de calcul moral et mathématique que John Waters a qualifié de « film d'action intelligent à gros budget, étoilé et sur le thème de la conversation ». .» Il n’y avait rien d’autre comme sa vision à l’échelle IMAX de la genèse atomique et du regret apocalyptique. Et cela perdurera, avec ou sans le tour de victoire mérité autour du Dolby Theatre.

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