Avec Heretic, les réalisateurs Scott Beck et Bryan Woods veulent vous faire peur

Scott Beck et Bryan Woods ont affronté des extraterrestres mortels dans A Quiet Place , des dinosaures vicieux dans 65 et la créature mythique titulaire dans The Boogeyman . Pour leur prochain acte, le duo s'est mis au défi d'effrayer le public avec des mots, pas des monstres, dans Heretic , le nouveau thriller d'A24 dans les cinémas du monde entier. Deux missionnaires mormones, sœur Barnes (Sophie Thatcher) et sœur Paxton (Chloe East), frappent à la porte de M. Reed (Hugh Grant) et lui demandent si elles peuvent lui parler de l'Église de Jésus-Christ.

Un M. Reed excité oblige et invite les filles à l'intérieur pour une conversation, un apprentissage et une part de gâteau. Ce qui commence comme une plaisanterie amicale se transforme en un interrogatoire alors que M. Reed remet en question la foi et les croyances des filles. Barnes et Paxton sont piégés et la seule issue est de jouer aux jeux perfides de M. Reed.

Dans une interview avec Digital Trends, Beck et Woods ont parlé de leur relation avec la religion et de la façon dont ils ont créé un film d'horreur autour du dialogue.

Remarque : Cet article a été modifié pour des raisons de longueur et de clarté .

Tendances numériques : qui a eu l'idée d'avoir un débat sur la restauration rapide au milieu d'un film sur la religion ? Pour certains, c’est tout aussi important [que la religion].

Scott Beck : Oh, je veux dire, c'est notre histoire de connaissance depuis près de 30 ans maintenant. Je pense que nous avons eu de nombreux débats sur notre fast-food préféré.

Bryan Woods : Quel est votre fast-food préféré ?

En fait, j'aime bien Wendy's. Je pense que Wendy's pourrait en être un.

Woods : Plutôt bien, non ?

Ouais. Vous ne pouvez pas vous tromper avec McDonald's. Pour défendre Taco Bell, c'est ce que je reçois le dimanche soir. Dès que cet entretien sera terminé, je vais l'obtenir.

Woods : [rires]

Beck : C'est génial. Taco Bell est généralement un événement une fois par an pour nous, mais depuis la réalisation de ce film, il est passé à deux fois par an.

Je comprends. L’estomac se défend.

Beck : Oui, c'est vrai. [rires]

L’une des phrases qui m’a vraiment marqué est venue de M. Reed lorsqu’il parlait de recherche avec Paxton et Barnes, et à la fin, il a dit : « Plus vous en savez, moins vous en savez. » J'ai l'impression que cela s'applique à beaucoup de choses. En tant que cinéastes, trouvez-vous que cette phrase est vraie ?

Bois : Ouais. Vous savez ce qui est drôle, en tant que cinéastes avec cette phrase, notre processus d'écriture est que nous entendons des choses dans la vie. Nous vivons les choses personnellement. Nous les écrivons dans des cahiers, et puis un jour, ils pourraient se matérialiser dans un script. Cette phrase : « Plus vous en savez, moins vous en savez » est une phrase que nous avons entendue lorsque nous étions à l'université. Nous avions la vingtaine et je pense que c'est Roger Ebert qui a interrogé Martin Scorsese sur la religion parce qu'il a fait tellement de films sur la culpabilité catholique. Il a dit : « Plus vous en savez, moins vous en savez. »

Et c’était une réponse obsédante à cette question. Je pense que plus nous vieillissons, plus nous sommes liés à cette idée que la vie est un mystère. Ce qui se passe lorsque vous mourez est une source de beaucoup d’anxiété pour la plupart des humains. [rires] C'est l'un des plus grands mystères du monde, et en vieillissant, nous essayons d'embrasser la beauté du mystère. Essayez de dépasser la terreur car c'est assez effrayant.

Saviez-vous que Sophie et Chloé avaient des liens mormons avant de les lancer ?

Beck : Nous l'avons découvert très tard dans le processus, alors que nous les étudiions. Ce n'est pas une surprise pour nous, rétrospectivement. Pendant le processus de casting, nous avons eu un flot de gens qui voulaient faire ce film, et nous étions très reconnaissants qu'il attire ce niveau de talent. Mais il y avait quelque chose de tellement authentique dans la façon dont, pendant le processus de casting, Chloé et Sophie incarnaient ces performances. Chaque fois que nous regardions leurs cassettes ou que nous les rappelions, ils capturaient le dialecte mormon. Et le léger inconfort d'être en partenariat avec un autre missionnaire auquel vous êtes affecté, et vous ne le savez pas vraiment, mais vous essayez de faire de votre mieux pour votre mission commune.

L’avantage supplémentaire de leur expérience dans la relation mormone était stupéfiant. C’était comme si l’authenticité pouvait ensuite être utilisée dans le processus de réalisation du film. Il y a une scène où ils montent les escaliers au début du film alors qu'ils vaquent à leurs tâches quotidiennes, où nous les voyons et les entendons dire des choses qui sont pleinement authentiques par rapport à leur expérience et à leur expérience de vie avec des amis mormons. et d'autres personnes qui ont fait des missions. C'est le mieux que l'on puisse espérer. Mais non, nous n'avions aucune idée [de leurs liens mormons] lorsque nous partions et les ramenais encore et encore.

J'ai aimé la façon dont une fois que les choses tournent pour eux [Paxton et Barnes], ils sont sur le point de s'effondrer à tout moment. On voit leurs yeux pleurer pendant toute la seconde mi-temps. Mais ils n’ont jamais de panne complète, ce que j’ai trouvé si fascinant. C'est presque comme s'ils étaient des otages actifs. Pourquoi était-il important de les représenter de cette façon ?

Woods : Nous voulions vraiment saper vos attentes quant à ce qu'est un missionnaire mormon. Nous voulions nous pencher sur la façade naïve et ensuite montrer la profondeur sous la surface. C'est juste notre expérience de connaître personnellement beaucoup de mormons et d'avoir rencontré des missionnaires mormons. Nous voulions donc décrire cela.

En ce qui concerne votre question, c'est intéressant. Il y avait en fait une scène supprimée où Sœur Paxton s'effondre un peu plus que ce que vous voyez dans le film. Elle est un peu dépassée et plus émotive. Rétrospectivement, cela ne semblait pas vrai. C'était une de ces choses que vous écrivez et mettez sur la page, et vous pensez que cela reflète la façon dont elle réagirait. En le voyant dans le film, c'était un peu comme, non, elle est un peu plus dure que ça. Il était important pour nous d’affiner cela et de nous assurer que le personnage soit toujours vrai.

Vous voulez juste les atteindre et leur faire un câlin. Dis-leur que tout ira bien. Donnez-leur un mouchoir ou quelque chose comme ça.

Beck : Ouais. Totalement.

Vous avez Hugh en face d'eux, dont vous pouvez dire qu'il passe des moments inoubliables, surtout avec les dialogues juteux. Dans vos conversations avec Hugh, quels étaient les principaux traits que vous vouliez insister pour qu'il les injecte à M. Reed ?

Beck : Eh bien, je pense qu'en termes de traits de caractère, la chose vraiment importante avec laquelle nous avons tous accepté très tôt est qu'il doit avoir un peu de charme qui attire le public, tout comme il attire Paxton et Barnes. Et la sécurité, dans une certaine mesure, du fait que nous sommes juste là pour avoir une conversation. Il fallait qu’il y ait un courant sous-jacent plus sombre, mais il ne pouvait pas apparaître trop tôt. Il fallait qu’il y ait une évolution.

Une chose dont je me souviens que Hugh disait toujours, c'est que ce type, Reed, s'amuse. C'est une chose quand vous avez le scénario et que vous vous dites qu'il y a de l'obscurité dans ce rôle. Et il a en quelque sorte imprégné ce rôle de cette once de plaisir qui a permis aux moments comiques de passer. Nous avons toujours parlé de ce film car chaque scène nécessitait de déplacer du sable sous les pieds des personnages, où l'on ne savait pas trop où on en était à ce moment-là. Sommes-nous dans une situation sûre et cela semble un peu étrange, ou est-ce réellement dangereux ?

Vous ne pourrez jamais trouver la réponse à cette question avant que, inévitablement, il ne soit trop tard. Donc, toutes ces conversations avec Hugh très tôt, des mois avant le début du tournage, nous avons échangé des courriels sur l'intonation de chaque scène, [et] parfois sur les dialogues, de sorte que finalement, quand il est arrivé sur le plateau, nous n'avons pas eu besoin de le faire. avoir ces conversations approfondies. Ils avaient déjà terminé, et il pouvait simplement se présenter sur le plateau et vraiment donner vie à ce pour quoi il avait étudié et préparé si méticuleusement.

C'était comme une conversation que tout le monde avait eu à Thanksgiving .

Beck : Oui.

Je suppose que l'un de vous en a eu un ?

Woods : Oh ouais. [rires] Nous l'avons tous fait. Je veux dire, c'est en quelque sorte le moment idéal pour sortir ce film en novembre. Juste avant les vacances.

Beck : Et juste après les élections aussi. Vous savez, c'est exactement à cet endroit idéal.

Woods : A24 sait ce qu'il fait. … Nous espérions sincèrement, comme notre plus grande ambition pour le film, qu'il s'agisse d'une conversation théologique de deux heures. Ensuite, vous quittez le théâtre et vous espérez ensuite aller dîner ou rentrer chez vous en voiture avec vos amis et votre famille, et le débat continue.

Avec les aspects thriller et horreur, vous pouvez avoir quelqu'un avec un masque et une arme, et c'est effrayant. Ou il y a des frayeurs lorsque vous le filmez. Ce film est tellement centré sur les dialogues que c'est vraiment le moteur de la tension et de l'horreur. En tant qu'écrivains, comment avez-vous réussi à transformer le dialogue en arme pour en faire la principale source de frisson et d'horreur ?

Beck : Oh, merci d'avoir dit ça. Nous venons de faire A Quiet Place et Boogeyman et 65 . Ce sont des films construits sur les techniques cinématographiques traditionnelles des frayeurs ou des monstres, etc. Et donc pour nous, c’était un changement dans la direction complètement opposée. Comment rendre terrifiants les dialogues et les idées sur la religion ? Pour nous, il s'agissait toujours d'essayer de le rendre personnel, d'essayer de parler de choses avec lesquelles nous avons du mal, et dans cette poursuite, d'espérer qu'il y ait beaucoup d'autres personnes qui verront ce film et qui auront été aux prises avec ces mêmes choses ou parvenu à des conclusions similaires.

Enquêter sur la même obscurité quant aux raisons pour lesquelles je crois ce que je crois, ou pourquoi je ne crois pas ces choses que croient les autres. La question omniprésente à laquelle nous sommes confrontés, mais également abordée par le film, est de savoir ce qui se passe lorsque vous mourez. La peur de cet inconnu, qui pour nous, est l’une des choses les plus réelles et les plus effrayantes auxquelles nous serons tous confrontés à un moment donné.

Avec la maison, j'ai lu que vous l'aviez vu comme le quatrième personnage. À mesure qu’ils s’enfoncent, ils descendent en enfer. Est-ce que [la maison] a toujours commencé comme quelque chose qui allait s'effondrer et devenir cette maison des horreurs ?

Woods : Nous voulions juste que la maison soit un peu une boîte mystérieuse. Au début, cela est inoffensif, sûr et presque bénin. Mais ensuite, à y regarder de plus près, il y a des petites choses qui font bizarre. Il y a tellement de détails étranges dans la scénographie qui, à mon avis, ne figurent même pas dans le film. Dans le premier salon, il y a du papier peint qui s'écaille, et derrière ce papier peint se trouve un papier peint différent, ce qui donne l'impression que Reed a composé cette pièce plusieurs fois.

Il l'a toujours changé et déplacé, en fonction de ce qu'il fait. Nous adorons la descente de style Dante's Inferno qui devient de plus en plus sombre et plus réelle en termes de qui est Reed. Comme ce qu’il est sous la surface. Nous voulions continuer à surprendre le public et nous-mêmes.

Phil Messina, notre décorateur, est l'un des plus grands de tous les temps. Il a débuté sa carrière dans The Sixth Sense . Vous savez, une chose dont nous n'avons pas parlé est la pièce située sous la maison que nous avons réfrigérée à la manière d' un exorciste pour que la respiration des acteurs soit authentique.

Beck : Et c'était incroyablement inconfortable d'une manière productive pour nous tous. Je suis content que nous n'ayons pas tourné davantage de film dans cette salle. C'était assez tortueux.

Avec la façon dont c'est filmé, je sais que vous avez dit que Chung-hoon Chung , le directeur de la photographie, était votre arme. Quelles ont été vos conversations sur la façon dont vous vouliez tourner les dialogues aller-retour ?

Beck : Notre plus grande crainte, collectivement, avec Chung-hoon, était que cela ressemble à une pièce de théâtre. Si nous avions juste tourné une pièce de théâtre, alors nous aurions dû simplement faire une pièce de théâtre. C'était donc un défi pour nous de réfléchir à la manière dont le langage cinématographique évolue au cours du film. C'était très important pour nous : nous n'avions pas l'impression de reproduire plan après plan. Chung-hoon nous a vraiment mis au défi de la meilleure façon possible, et cela s'est retrouvé dans le film final. Il m'a dit : "Je pense que nous devrions commencer le film et le tourner de manière très ennuyeuse." Comme très statique. Supprimez l’instinct de déplacer la caméra.

Bryan et moi nous sommes d'abord dit : "Oh, ouais, nous allons tourner cette scène de banc de parc, et nous allons en quelque sorte faire du chariot ici." Il m’a dit : « Non. Toujours. Ennuyeux. Faisons-le. Tout d’un coup, cela nous a permis de comprendre, lorsque nous commençons à déplacer la caméra, comment réellement suivre la psychologie des personnages. Comment segmentons-nous ce personnage unique, et on a l'impression qu'il est isolé, même lorsqu'il est dans une pièce avec tous les trois ? Un autre aspect était également d'essayer de trouver un moyen de ne pas entraver les performances.

Une grande partie de notre amour pour le cinéma vient de cinéastes comme Alfred Hitchcock ou M. Night Shyamalan , qui scénarisent méticuleusement chaque image. C'est généralement notre instinct. Mais sur ce point, nous savions que cela empêcherait totalement une grande performance d’être ce qu’elle pourrait être. Nous ne voulons pas classer Hugh Grant dans cette toute petite case.

Avec Chung-hoon, nous avons passé beaucoup de temps à réfléchir à la manière dont nous devenions exigeants avec la caméra mais aussi libérateurs, ce qui semblait être deux choses contradictoires. Ce que nous avons fait dans chaque pièce, c'est de poser cette piste de danse sur le sol afin que nous puissions faire aller une caméra en mouvement n'importe où. Nous laissions les performances durer parfois jusqu'à 10 pages de dialogue. Nous tournions ces très longues prises, puis Chung-hoon actionnait lui-même la caméra.

Au cours de la scène, nous avions une radio sur lui. Il utiliserait son instinct, qui était si beau et si magistral. Nous dirions : « OK. Maintenant, rapprochons-nous de Hugh. Nous diffusions cela par radio et créions cette petite danse entre la caméra et la performance d'une manière qui laissait toujours Chloé, Sophie et Hugh libres de suivre où la scène doit aller dans le moment présent.

Heretic est désormais en salles .